12/7/17

Alianza con los increíbles pinceles Rosemary and Company


Hace ya cinco años conocí la marca de pinceles Rosemary and Company. Se trata de una fábrica de pinceles para artistas familiar, que vende sus productos sólo a través de su página web y de algunos artistas. Por esta razón, los pinceles son de muy buena calidad y factura y al mismo tiempo, los precios son más bajos que los de las marcas conocidas (pues no hay retail incluido).
Este año, con Rosemary formamos una alianza y pude diseñar dos sets de pinceles especiales para ilustradores botánicos. Esto nace de la necesidad de que mis estudiantes puedan acceder a buenos materiales a un precio justo. Quiero aclarar desde un principio que yo no recibo comisiones a cambio de esta alianza.


El primer set consta de 4 pinceles para acuarela de sable Kolinsky (pelo natural), redondos. Este set es para quienes necesitan comprar sus primeros pinceles profesionales y no tienen claro qué números sirven más.
La selección es:
Pinceles nº 1 y 2 para los detalles, y nº5 para áreas más extensas. El nº7 es perfecto para el agua, pues es lo suficientemente grueso para áreas grandes y al mismo tiempo tiene una punta muy fina que te permite humedecer áreas muy pequeñas y trabajar detalles más intrincados.


El segundo set es más económico y está compuesto por siete pinceles de pelo mixto: nylon + sable natural, lo que les da mayor capacidad para absorber agua y son muy durables y más baratos. Con este set no necesitas nada más:

El set 2 tiene pinceles sable, de pelo mixto y redondos nº 1, 3 y 4 para detalles y áreas pequeñas, nº 5 para pintar áreas más extensas y un nº7 para el agua. Además, viene con un pincel espatulado de pelo sintético nº4 que podrás usar para limpiar manchas, corregir detalles, etc. Este set, es muy barato y es ideal para los que quieren un set completo y a un súper buen precio.


Les recomiendo 100% esta marca. Te harán un descuento por el impuesto británico y el envío es rápido y los pinceles llegan en excelentes condiciones. Espero que los disfruten y cuéntenme si compran uno de estos sets.

¡A pintar!

6/7/17

Imaginando una nueva escuela - bocetos de una idea

Anoche, volviendo de estar todo el día en la Biblioteca acompañando la clase de Fred y conversando con algunas de mis compañeras del Cinc, tuve esta visión de una nueva Escuela de Arte.
Una Escuela que se salga de la visión occidental antropocéntrica y centrada en el ombligo de, más encima, el HOMBRE.
La visión o posición de estarse mirando a una misma y sus procesos personales para mí, debe terminar en la educación artística superior y es más, debiera concluir en la adolescencia. Después de eso, la interacción con el estudio artístico debiera abrirse al rol de cada uno en relación al entorno, incluyendo todas las esferas y capas de éste: familia - hogar (en su sentido más amplio), barrio, ciudad, lugar geográfico, país y por cierto el entorno biológico/natural (ya muy habitado) donde se desenvuelve la persona, incluyendo a todos los seres que lo habitan, sin excepciones.
Siguiendo los planteamientos de Donna Haraway, la Educación Artística de los jóvenes debiese transcurrir en simpoiesis con aquellos que estudian Ciencias y otras áreas del conocimiento, generando interacciones más allá de sus campos de origen.

(Google)

Entonces, la nueva Escuela de Arte ya no tendría al HOMBRE ni lo humano como centro, si no al Ecosistema, viéndose éste como un todo, que involucra desde un átomo o un microbio hasta las interacciones de los seres vivos con el clima de la Tierra, por ejemplo.
La Educación Artística universitaria, debe transitar desde la adolescencia (afirmación del yo, construcción de sí mismo y de la identidad) hacia la madurez y la maternidad/paternidad entendidas como una visión inclusiva, de hacer comunidad, de pensar en conjunto, haciéndose cargo de cuestionar y reflexionar en torno a problemáticas que van más allá del individuo, buscando desarrollar y potenciar las interacciones de todos los actores del ecosistema.
Queda atrás la vieja pregunta de Ser o no Ser, Pienso luego Existo, etc. Por que el ser no puede separarse del somos, incluyendo a todo.
La nueva escuela se hace cargo del tejido del ecosistema y no deja de lado a nadie. Se buscan las interacciones multi e interdisciplinarias. Se asume que las islas en el conocimiento no son reales ni posibles y que la interdependencia es la clave de las relaciones y de la existencia misma.
Es un error pensar que existen sistemas u organismos autónomos.
Es un arte no parcelado, abierto, generoso, inclusivo. Lo femenino y masculino en interacción positiva, constructiva, potenciando las imaginaciones y los talentos personales y colectivos.

Imagino que si el foco y estructura profunda de las manifestaciones culturales puede cambiar, toda la sociedad puede hacerlo.

29/6/17

Investigar sobre una planta que no tienes a tu alcance: El Cacao.


Antigua ilustración de Theobroma cacao, Alemania.
Fuente: Google.

Cuando queremos hacer la ilustración de una planta, es muy importante recabar la mayor cantidad de información posible, tanto en términos botánicos, registros fotográficos, otras ilustraciones de toda clase y época, la relación de la planta con el ser humano, etc.

En marzo pasado tuve que investigar muchas plantas tropicales en Kaua'i y aunque las dibujé, hice pruebas de color y les tomé fotos, la información que obtuve no es suficiente hoy. Por otro lado, la distancia temporal y no tener el modelo presente, hace que la atención se diluya y es algo complicado sentarse a pintar con entusiasmo si no tienes mucho qué mirar y la planta pareciera parte del pasado (me ha sucedido así algunas veces). 
Por eso, nada mejor que un estudio rápido, completo y preciso de la planta antes de empezar, para empaparse de ella completamente y bueno, también encantarse con el tema.

Mi ejemplo de hoy es el Cacao, Theobroma cacao, el árbol sagrado centro americano de donde viene el amado, codiciado y exquisito chocolate. Sin duda un gran regalo producto de la curiosidad alimentaria de la gente y las maravillas ocultas que traen las plantas.

Qué no podríamos decir del Cacao...una de las pocas especies de plantas en el mundo cuyas semillas se transan en las bolsas de comercio, moviendo billones de dólares al año...que para la producción del dulce chocolate muchas veces se usa mano de obra infantil esclava, o que los españoles quedaron literalmente vueltos locos con el brebaje misterioso y mega reconfortante que tomaban los aztecas, que hasta tenían una diosa para el preciado árbol. 



Ixcacau, la Diosa del Cacao (Google)


La definición de Theobroma cacao en Wikipedia 


Un Herbario tridimensional del árbol del Cacao. Estas reliquias preciosas del siglo XIX 
hoy se transan en las grandes casas de remate y en anticuarios europeos (Google).


Ilustración botánica antigua del Cacao, con énfasis en la flor, muy pequeña con respecto al gran y vistoso fruto. (Google)



Fruto abrierto y semilla del cacao, la que después se transforma en chocolate.
Fotos: Geraldine MacKinnon.


Mi escritorio en Kaua'i mientras pintaba el fruto del Cacao.

Entonces, para tener una visión global de las plantas, recomiendo investigar lo más posible. Pocas plantas tienen tanta información de tantas clases diferentes como el Cacao, pero siempre hay cosas interesantes que se pueden encontrar indagando más profundo (y ustedes lo saben!!!). 


Estudio inconcluso del fruto del Cacao. Kaua'i 2017.



Antiguo diario de plantas tropicales en acuarela opaca, autor(a) deconocido(a). 
Foto: Geraldine MacKinnon, 
National Tropical Botanic Garden, Kaua'i 2017.



Algunas de mis fotos de registro del árbol, el fruto y las hojas.

Con todo esto, la idea es armar una composición nueva, creada especialmente para mi interpretación del cacao. Es decir, incluiré los elementos que considero relevantes para lo que quiero destacar de esta famosa especie. Así que, muy pronto podré mostrar el resultado de mi experiencia ilustrando el cacao. Para terminar, les dejo un interesante documental que muestra la cruel realidad en las plantaciones de cacao en África, donde compañías gigantes del chocolate hacen la vista gorda al terrible tráfico de niños esclavos y a los peligros que enfrentan al ser engañados, cambiados de país y obligados a trabajar con filosos y pesados machetes. Para pensar qué chocolates compramos la próxima vez.

19/6/17

Crítica de Materiales nº2


Hola a todos! Esta semana quiero empezar revisando dos materiales que los amigos de Color Animal me mandaron para probar. Se trata de la caja de acuarelas Rembrandt de 12 colores calidad Artista y el nuevo papel en blocks para acuarela de Hahnemüle "Britannia", en su versión 300grs Matt (con grano) y el de 300grs Hot Press Satinado (sólo tengo una pequeña muestra del segundo).


Las acuarelas Rembrandt vienen en pastillas (1/2 pastilla) envueltas en papel encerado y son 12 colores. Son los colores clásicos que vienen en las selecciones de 12:
Amarillo de Cadmio Claro, Amarillo de Cadmio Oscuro, Rojo de Cadmio Claro, Carmín, Azul Ultramar, Azul Cerúleo, Verde Claro, Verde Viridian, Amarillo Ocre, Tierra de Siena, Café Van Dycke y Gris de Payne (lo que es un muy buen reemplazo del negro). Los nombres podrían cambiar pues en la caja sólo vienen con su número. 
Dentro de la caja viene un pequeño pincel de viaje plástico de pelo de sable, más o menos nº2.



Como vemos en la foto, los colores son vibrantes y permanecen iguales una vez secos. Lo que a mí en lo personal no me gusta tanto es la selección: las compañías insisten en elegir siempre los Cadmios para sus paletas armadas y al menos yo casi no los uso porque son muy opacos y siempre prefiero los colores semi transparentes o transparentes. Esta vez los usé para darle unos brillos amarillos a una flor que tuve que pintar y resultó bien, pero no los recomendaría para hacer todo un trabajo por el hecho de que una capa va a tapar a la anterior y eso no siempre es lo que uno quiere.
El Verde Claro tampoco me gustó porque es poco natural, por eso hay que considerar que estos colores deberían mezclarse con otros para bajarlos un poco y aprovechar sus cualidades.
El Café Van Dycke es súper lindo y el Payne's Grey también, lo mismo el Carmín es un muy buen color.


En interacción con el papel Britannia de 300grs Matt (granulado) funcionan súper bien. Son fáciles de levantar, como vemos en la foto. 
En cuanto al papel, es agradable para trabajar seco y húmedo, es muy expresivo y se pueden hacer manchas bonitas, además tolera bastante agua. El block es engomado entero menos la esquina inferior izquierda. Esto permite que el papel esté tenso mientras pintas. 


Es un papel bien bonito aunque pienso que no es adecuado para ilustración científica por la textura que tiene. Es difícil lograr detalles muy finos así que lo descarto para mi trabajo, pero sí creo que va a funcionar muy bien con mis acuarelas artesanales porque les va a dar un toque de expresividad extra lo que en ese caso es excelente.


Aquí pueden ver la página completa.


Este es el material más interesante de los tres, el papel Britannia Satinado de 300grs Hot Press -las características que buscamos en ilustración científica-. Lo probé con acuarela, lo fome es que lo tengo hace tiempo y de tanto tocarlo se engrasó un poco y la pintura no corre tan bien, tengo que comprar un block para usarlo como corresponde.
En todo caso, el papel es bien agradable, parecido al descontinuado Fabriano 5 que usaba antes. Esta vez hice un pequeño ejercicio mezclando acuarela con lápiz de color Polychromos y aunque tengo casi nada de experiencia con los lápices, siento que funcionó bastante bien, así que probablemente sea una buena idea para los que trabajan con lápices que consideren darle una oportunidad. Yo quiero hacer más pruebas de todas maneras con este papel y ver cómo me va. Otra cosa, me gustó el color del papel, bastante blanco pero no color "cloro" y es súper liso, justo lo que se necesita al ilustrar para ciencias.

Me gustaría publicar los precios del papel aquí para poder pensar en la relación precio-calidad pero no los encontré en el sitio de la tienda esta vez. La caja de acuarelas Rembrandt de 24 colores cuesta $90.000 así que asumo que la de 12 debe costar más o menos la mitad. Creo que es el estándar de precio de las acuarelas profesionales. La latita es bien buena y recomiendo este set sobre todo para viajar con él y pintar paisajes naturales o urbanos, tiene buenos colores para eso.




31/5/17

La Era Multitasking o Haz Todo Lo Que Puedas


Siempre he mirado con admiración a esas artistas que hacen unas obras maravillosas, exponen en lugares increíbles, hacen todas las manualidades y más encima tienen familia y todo lo demás.
Me preguntaba cómo lo hacían y si era verdad, y si yo alguna vez podría llevar mi vida de esa manera.
Es loco porque sin querer queriendo, una cosa llevó a la otra y de repente me veo llena de actividades diferentes todos los días; dividida en un montón de tareas y facetas de mí misma que se complementan pero son mundos separados.


Calceolaria filicaulis en proceso


Probando cómo usar el famoso masking fluid


Intento ser ilustradora botánica lo más que puedo. Pinto todo lo que puedo. Me proyecto con mi nuevo grupo en Kaua'i y trabajando con plantas chilenas. Es mi trabajo principal, lo que más me define hoy. También está la profesora, que es la misma pintora pero en otra posición en el tablero. Clases en la casa, clases en la universidad, clases en Chiloé, clases y clases!!! Lo que digo, lo que pienso y lo que pinto tiene como finalidad enseñar y nada más. Y en tercer lugar, está mi querido Círculo de Ilustradores Naturalistas de Chile, Cinc: el sueño de años (por favor visiten el link, es un imperdible si aman la ilustración botánica y su auge en Chile).


Haciendo clases en Chiloé el 2015.


Compartiendo procesos de trabajo con mis compañeros del NTBG Florilegium Project, Kaua'i 2017.


Luego, después de años de estar sentada pintando con acuarela, apareció mi yo investigadora. Ella quería saber cómo se hace la acuarela. Y entre lecturas y horas interminables de investigación en todos los frentes, nació Piedras y Agua (que ya es una marca registrada!!!). Mi micro mini fábrica de acuarelas artesanales, de minerales chilenos y del mundo. Todavía no estoy vendiendo, pero lanzaré los productos en julio. Aquí el trabajo es físico y alquímico, como en el Renacimiento. Logro salirme del oficio tan minucioso e intelectual y me transformo en otro personaje, más bien otra cara de la moneda.


Mi paleta hecha 100% a mano, de la roca a la acuarela.

Y a lo que quiero llegar con este post, es que aun no soy esa artista que hace miles de obras maravillosas todo el tiempo y se viste maravillosamente y está en todas las paradas, pero estoy orgullosa de mis ganas eternas de investigar, conocer y hacer. Me gusta no quedarme tranquila con lo que sé, aunque me quite horas del día, me desconcentre y sienta que no hago nada al 100%, este sistema de oficios combinados funciona para mí. Y lo que más me gusta, es compartirlo.



14/5/17

Algunas reflexiones del día de la madre.


Con mi hija de un año en el National Tropical Botanic Garden de Miami, Octubre de 2015.


Desde que tuve a mi hija Tahira, lógicamente mi vida cambió. No de la forma dramática que muchas personas habían pronosticado, como lanzándome una especie de maldición cuando estaba embarazada. Me dijeron que no iba a dormir más y que iba a sufrir por un montón de cosas que ya no me acuerdo. Sí dormí y sigo durmiendo, y he sufrido bastante por algunas cosas pero no creo que más de lo que podría sufrir sin ella. Ser mamá para mí es una aventura, y lo que más me quita el sueño y me hace pensar es cómo darle una vida llena de experiencias que le muestren lo maravilloso que es el mundo, en un mundo cada vez más caótico.

Tahira de 7 semanas de paseo en la Feria Jardinera, 2014

Pero el tema que más da vueltas en mi cabeza todo el tiempo, es esto de ser mamá y artista. Lo digo porque la pasión que siempre he sentido por mi arte no ha desaparecido ni ha disminuido ni un ápice desde que nació Tahira. Ella, mi hija, es otro aspecto de mí. Es mi mayor preocupación, un motor que me inspira a seguir y a hacer las cosas mejor para darle una vida linda. Que mientras sea una niña, su vida fluya sin contratiempos y sea feliz. Pero para ser una mamá feliz, que proyecte eso en su hija, yo tengo que llevar mi misión de vida a cabo. Nunca he pensado en postergar mi arte ni mis sueños mientras ella es pequeña. Ella me ha visto trabajando siempre, y de a poco va participando y va entendiendo lo que hago. 
Me he ido de viaje a trabajar ya tres veces por algunos días, sin ella. Mucha gente se sorprende. Yo, pienso que ya es hora de que ella se pueda unir, porque está más grandecita. 

Tahira de dos meses, en mi mesa de trabajo.

Lo que quiero decir contando todo esto, es que mi hija es la persona que más quiero en el mundo, pero para quererla y darle una buena mamá, yo tengo que ser una mujer realizada y feliz, sin cambiar para transformarme en una persona que no soy. No es un equilibrio fácil, pues además de las dificultades normales de la vida y el matrimonio (otro ítem!), viene con las culpas del cristianismo y de las mamás fanáticas que están tan de moda. 
Que todas las mamás de hoy y de mañana, sean mujeres felices, apasionadas, que iluminen el camino de los hijos con una luz propia fuerte y brillante. Abrazos a todas las colegas artistas, naturalistas y mamás.

Quillay que pinté en mis últimos meses de embarazo.



10/5/17

Definiendo Ilustración Botánica

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Franz Bauer, 1748-1840.


“La ilustración científica de las plantas es un aspecto importante del, más amplio, mundo del arte botánico, definida por su propósito como una ayuda para el estudio y clasificación de especies. Botánicos e ilustradores trabajan juntos dentro de una relación sinérgica que resulta en ilustraciones específicamente diseñadas para complementar el texto. Las ilustraciones botánicas se utilizan para ilustrar “floras”, monografías, guías de campo e investigaciones. El artista sigue convenciones establecidas que incluyen una preferencia por el trabajo en blanco y negro, una habilidad para crear dibujos desde especímenes de herbario y la producción de magnificaciones detalladas de partes fundamentales de los especímenes. La precisión técnica es esencial pero los límites entre arte e ilustración son difíciles de distinguir, dados a menudo más por el propósito que por el estilo.”


Definición actual de “Ilustración Científica –Botánica- de la ASBA (American Society of Botanical Artists, 2014), originalmente en inglés.


¿Cuál es la diferencia entre Ilustración Botánica, Arte Botánico y pintar flores?


La forma más sencilla de explicarlo, es que las diferencias están relacionadas con el énfasis:


  • En la ilustración botánica, el énfasis está puesto en el registro científico y la precisión botánica que permita la identificación de una planta. Los registros también pueden incluir a la planta creciendo en su ambiente natural.
  • En el arte botánico el énfasis está puesto en la planta o la inflorescencia pero sin incluir necesariamente toda la información que necesitan los botánicos. Hay un énfasis mayor en las cualidades estéticas que se encuentran en la especie.
  • En la pintura de flores, las flores suelen verse en jarrones o en un contexto de naturaleza muerta, en un jardín o en el campo. El énfasis está puesto en crear un cuadro donde las características botánicas no son lo más importante.


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Margaret Mee, 1909 - 1988

Hoy el trabajo de los ilustradores botánicos involucra crear ilustraciones científicas muy detalladas que muestran:



  • El hábito de la planta: la forma en que la planta crece.
  • Estructuras y detalles asociados a la reproducción: usualmente se incluyen disecciones de partes de la planta.
  • Otras características relevantes para la identificación: incluyendo las que pueden observarse bajo el microscopio.


Los ilustradores botánicos suelen trabajar observando plantas reales:


  • Ya sean plantas colectadas hace mucho tiempo o en lugares lejanos y que se mantienen en forma de herbarios,
  • O plantas vivas que se encuentran en jardines botánicos en todo el mundo,
  • O especímenes colectados con autorización en áreas de conservación de la vida silvestre,
  • O especímenes cultivados en sus propios jardines.


Es muy común también que los ilustradores botánicos viajen a diferentes partes del mundo a buscar plantas raras en sus ambientes naturales.
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Alexander Viaszmensky, Rusia.

¿Qué es el Arte Botánico Contemporáneo?


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Jess Shepherd, Inky Leaves. De su exposición “Leafscape”, 2016.


Muchos de los ilustradores botánicos hoy usan la palabra “contemporáneo” para definir su trabajo. Con esto quieren decir que su obra “pertenece al presente”, siendo este uno de los significados de la palabra.

Sin embargo, “contemporáneo” también puede ser usado para denotar innovación y originalidad, marcando la diferencia con la ilustración botánica clásica -del pasado. En las grandes exhibiciones juradas que se hacen en Inglaterra, como la ya tradicional exposición anual de la Royal Horticultural Society, vemos que los jueces han hecho hincapié en las ilustraciones que muestran a las especies de maneras novedosas, no vistas antes. Este es el nuevo gran desafío para los ilustradores que quieren inscribir su trabajo en los circuitos internacionales.

El trabajo de Mariko Ikeda “Pandanus”, ganó el premio a la Mejor Exhibición en la competencia de la RHS este 2017.
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Mariko Ikeda, Japón, 2016




Textos extraídos del blog http://www.botanicalartandartists.com/  y reglamento ASBA.

9/5/17

Conociendo nuevas acuarelas: QOR.

Ayer fui invitada por mis amigos de Plop! Galería y Color Animal a un taller donde nos mostraron productos nuevos de la marca de pinturas Golden (USA). Lo que más me interesó era conocer las acuarelas QOR, que aunque ya llevan varios meses en venta nunca había probado, ni tampoco tenía referencias de nadie que las estuviera usando.
Les doy las gracias a Gisella Trucco y Paul (artista Golden) que fueron muy amables y nos contaron de qué se trataban estas acuarelas y unos acrílicos llamados High Flow bien choros pero que, como no uso, no puse mucha atención.



Como ustedes saben, uso solamente acuarelas de calidad Artista o Profesional y tengo mis marcas favoritas (además colores favoritos en cada una), la mayoría tradicionales en su formulación (con la receta antigua de goma arábica):

1) Winsor & Newton
2) Daniel Smith
3) Old Holland
5) Schminke

QOR tiene una característica interesante, pues ellos usan un aglutinante sintético que es similar a la goma arábica pero tiene la gracia de que es 100% transparente (la goma es levemente como miel más amarilla) y que además puede cargar altas cantidades de pigmento, supuestamente 4 veces más que la goma natural. Esto hace que los colores sean muy muy saturados y que con un poquito puedas pintar una gran superficie y alcanzar una gama tonal más amplia.

Los estuve probando con algunas técnicas de las que uso comúnmente y se ven muy bien, también son agradables al pintar. No usé mi papel de siempre pero probé en un Arches Cold Press y en un Hahnemülle Bamboo que es bien rico, pero no lo suficientemente liso para ilustración científica. Puede usarse para todo lo demás, obviamente :)




Lo no tan bueno es que cada tubo de 11ml cuesta sobre $10.000, o sea son una mega inversión. Pero, supuestamente deberían durar más por la alta concentración de pintura. Mis pruebas no dieron como para saber eso, así que hoy fui y me compré dos colores que en general uso mucho y que ayer probé, Indigo y Green Gold. Ambos anduvieron muy bien y el color es muy lindo, y es verdad que cuando secan quedan iguales.



Bueno, esa fue mi experiencia con esta nueva marca, ya les iré contando más cuando los conozca mejor. Y ojo: esto no es un infomercial! Lo hago porque me gusta escribir lo que hago y compartirlo con ustedes.

¡Suerte con las pinturas!